《纽约摄影学派》指的是一群松散定义的摄影师，他们在1930年代，40年代和50年代在纽约市生活和工作。通过精选的250张照片以及摄影师的引述，作者展示了纽约学派的独特风格。利文斯顿是华盛顿特区柯克伦画廊的副馆长和首席策展人。

  简·利文斯顿演讲，2017 年 3 月 14 日，惠特尼·莱格拍摄 简·利文斯顿演讲，2017 年 3 月 14 日，惠特尼·莱格拍摄

  简·利文斯顿是一位美国艺术策展人。她是众多书籍和目录的作者和合著者，曾在1967年至1975年期间担任洛杉矶县艺术博物馆20世纪艺术馆馆长。在那里，她与莫里斯·塔奇曼合作举办了“11位洛杉矶艺术家和艺术与技术”展览，组织了艺术家布鲁斯·诺曼的首次大型博物馆展览，与马西娅·塔克共同策展；并举办了第一次墨西哥裔艺术博物馆展览。1975年，利文斯顿成为柯克伦艺术画廊的副馆长和首席策展人。现为独立策展人，理查德·迪本科恩目录的编辑。利文斯顿选择了黛安·阿勃丝、理查德•阿维登、阿列克谢·布罗多维奇、特德·克鲁纳、布鲁斯·戴维森、唐·多纳吉、路易斯·费勒、罗伯特·弗兰克、希德·格罗斯曼·威廉·克莱恩、索尔·莱特、利昂·莱文斯坦、海伦·莱维特、莉塞特·莫德尔、大卫·维斯塔和韦吉。

  黛安·阿勃斯（1923年3月14日至1971年7月26日）是一位美国摄影师和作家，以拍摄边缘化人群（侏儒、巨人、变性人、裸体主义者、马戏团表演者）以及其他被普通大众认为丑陋的人而闻名或超现实。她的作品被描述为由以公然煽情为特征的摆拍形式组成。1972 年，在她自杀一年后（流行的刻板印象是由于她是摄影师中的诗人-西尔维亚普拉斯），阿勃丝成为第一位在威尼斯双年展上展出照片的美国摄影师。

  理查德•阿维登（Richard Avedon，1923-2004年）出生并居住在纽约市。他是一位美国时尚和肖像摄影师，曾在《时尚芭莎》和《时尚》工作，专门拍摄时尚，戏剧和舞蹈静态图片中的运动。在《》上发表的公告中说：“他的时装和肖像照片帮助定义了上个世纪以来美国的风格，美丽和文化形象。”

  (又名布罗多维奇；白俄罗斯:АляксейБрадовіч, 俄语：Алексе́й Вячесла́вович Бродо́вич；1898年4月15日- 1971年4月15日)

  他是白俄罗斯出生的摄影师、设计师和讲师，1934年至1958年，他为时尚杂志《《时尚芭莎》》担任艺术指导，并因此而闻名。

  泰德·克罗纳（1922-2005）是一位美国摄影师，被描述为1940年代和1950年代纽约摄影学派的有一定的影响力成员 。据说他的图像代表了这一运动的最好例子。克罗纳以他在1940年代和1950年代拍摄的纽约市夜景照片而闻名。

  布鲁斯·兰登·戴维森（Bruce Landon Davidson）（1933年9月5日出生）是一位美国摄影师。自1958年以来，他一直是玛格南图片社机构的成员。他的照片，尤其是在纽约市东哈莱姆区拍摄的照片，已被广泛展出和出版。他以拍摄通常对外人敌对的社区而闻名。

  唐•多纳吉（生于宾夕法尼亚州的伦纳德·唐纳德·多纳西；1936年11月2日至2008年7月23日）是纽约摄影学派的成员。多纳吉在费城博物馆艺术学院学习，之后他使用徕卡35mm相机在费城和纽约市从事街头摄影。1962 年举办了他的第一个展览“两个年轻的费城人：唐·多纳吉和乔治·克劳斯”。多纳吉的第一部作品是在 1962 年秋季的《当代摄影师》杂志上对该展览的重新创作，与展览同名。具有里程碑意义的展览和出版物《纽约学派，照片 1936-1963年》由简·利文斯顿创作，这中间还包括多纳吉的精选照片。多纳吉在吉尔斯莫拉的《最后的摄影英雄：六十年代和七十年代的美国摄影师》中出现。除了摄影，多纳西还担任电影剪辑师和摄影师。在住在科罗拉多州博尔德期间，他还是一名建筑工头。他于 2008 年 7 月 23 日去世。

  路易福雷尔（1916年8月28日至2001年3月2日）是美国的抓拍摄影师或街头摄影师。他是位安静的艺术家，但从未像他最知名的当代艺术家那样获得公众的广泛认可。然而，他的作品的重要性和水准受到了业内人士的称赞，这中间还包括罗伯特·弗兰克、威廉·埃格尔斯顿和爱德华·斯泰肯，他们将他的作品收录在现代艺术博物馆的展览“聚焦与失焦”（1948 年）和“人类大家庭”（1955 年）中。

  罗伯特·弗兰克（1924 年 11 月 9 日 - 2019 年 9 月 9 日）是瑞士摄影师和纪录片制片人，后来成为美国双重国籍。他最著名的作品是 1958 年出版的名为《美国人》的书，弗兰克以其对美国社会的新鲜而细致入微的局外人视角赢得了与现代托克维尔的比较。评论家肖恩·奥哈根 (Sean OHagan) 于 2014 年在《卫报》(The Guardian) 撰文称，《美国人》“改变了摄影的本质，改变了摄影能表达的内容和表达方式。[ ...] 它可能仍然是 20 世纪最具影响力的摄影书。”弗兰克后来扩展到电影和视频领域，并尝试处理照片和蒙太奇照片。

  席德·格罗斯曼（1913年6月25日在曼哈顿-1955年12月31日在普洛）是美国摄影师，教师和社会活动家。

  席德•格罗斯曼是莫里斯和埃塞尔·格罗斯曼的小儿子。他曾就读于纽约城市学院，并在WPA街头工作人员中工作。1934年，他与联合发起人索尔·利布松共同创立了摄影联盟。格罗斯曼在整个摄影联盟的存在（1936-1951年）中扮演了许多角色，包括教育家、管理者、评论家，《照片笔记》的编辑和《切尔西文件》（Chelsea Document，1938-1940）的创立者，该文件是对纽约一个街区的过时建筑和不合标准生活条件的起诉。他于1943年3月6日入伍，二战期间在巴拿马的第六军服役。格罗斯曼1940年拍摄的工会活动照片导致联邦调查局（FBI）展开调查，并在1947年将照片联盟列入阵线年，他在马萨诸塞州的普罗温斯敦开办了一所摄影学校，尽管他每年仍有一部分时间在纽约生活和教学。格罗斯曼结过两次婚：一次是玛丽安·希尔，另一次是米丽亚姆·格罗斯曼。

  格罗斯曼于1955年死于心脏病发作。他的著作《海角之旅》与米勒德·兰佩尔合著，于1959年出版。

  威廉·克莱因（生于1928年4月19日）是一位法国裔美国摄影师和电影制片人，以其对媒体的讽刺手法以及在新闻摄影和时尚摄影中普遍的使用不同寻常的摄影技术而闻名。在《专业摄影师》的100位最有一定的影响力的摄影师名单中，他名列第25位。克莱因受过画家训练，师从费尔南德·莱热，并通过他的作品展览获得了早期的成功。他很快转向摄影，并作为 《时尚》的摄影师和他在各个城市的摄影文章而广为人知。他执导过长篇小说电影、多部短片和长篇纪录片，并制作了 250 多部电视广告。他于 1957 年获得皇家摄影学会纳达尔奖

  索尔·莱特（1923年12月3日至2013年11月26日）是一位美国摄影师和画家，他在1940年代和1950年代的早期作品对后来被公认的纽约摄影学派的作品做出了重要贡献。

  索尔·莱特的父亲是一位著名的塔木德学者，索尔学习成为一名拉比（神职人员）。他的母亲在12岁时给了他第一台相机。23 岁时，他离开了神学院，搬到纽约市成为一名艺术家。他很早就对绘画产生了兴趣，并有幸结识了抽象表现主义画家理查德·普塞特-达特。普塞特-达特和w·尤金·史密斯鼓励莱特从事摄影，他很快就用35毫米徕卡拍摄黑白照片，这时他购买了几张尤金•史密斯照片。1948年，他开始拍摄彩色照片。他开始与罗伯特·弗兰克和黛安·阿勃丝等其他当代摄影师交往，并在 1940 年代和 50 年代帮助组建了简·利文斯顿 (Jane Livingston) 所称的纽约摄影学派。莱特在接下来的 20 年里一直担任时尚摄影师，并在 Show、Elle、英国版 Vogue、Queen 和 Nova 上发表作品。1950 年代后期，艺术总监 Henry Wolf 在 Esquire 和后来的《时尚芭莎》上发表了莱特的彩色时尚作品。

  海伦·莱维特在纽约出生长大，她的大部分照片都是在纽约的街道上拍摄的。她对摄影的兴趣始于 1931 年；她在为肖像摄影师工作时学习了暗房技术，并在 16 岁时决定成为一名专业摄影师。沃克·埃文斯和亨利·卡蒂埃-布列松的照片给她带来了特别大的启发，他们后来成为了朋友。在卡地亚-布列松的带领下，莱维特买了一台 35 毫米相机，并确定了她接下来四十年要追求的主题——社区街头生活，尤其是妇女、儿童和动物的活动。1939 年，她的照片慢慢的出现在《财富》、《美国相机》、《迷你相机》和《PM》等杂志上。博蒙特和南希•纽霍尔于 1943 年在现代艺术博物馆举办了她的第一次个展。三年后，莱维特被博物馆授予摄影奖学金。

  她的作品在沃克·埃文斯和詹姆斯·艾吉中找到了忠实的拥护者，后者为《观看之道》（A Way of Seeing，1940 年代出版，但直到 1965 年才出版）撰写了文字，这本专着收录了她许多最著名的图像。除了以黑白照片闻名，莱维特自 1950 年代以来一直活跃于彩色摄影领域，她的电影项目包括与詹姆斯·阿吉合作的《安静的人》(The Quiet One) 和《在街上》(In the Street)。莱维特获得了古根海姆奖学金，并且是国家艺术基金会摄影研究员；1997年获得ICP摄影硕士无限奖。莱维特的照片营造出一种明显的地方感。她对拍摄对象和场景的熟悉赋予了她独特的观察力。尽管她的早期作品特别受人喜爱，但她代表不同城市环境的近期作品同样有效。

  莉赛特·莫德尔（原名埃莉斯·阿梅莉·费利西·斯特恩Elise Amelie Felicie Stern，1901年11月10日至1983年3月30日）是一位出生于奥地利的美国摄影师，主要以其街头摄影的抓拍人道主义而闻名。她是1940年代多产的摄影师，也是纽约合作摄影联盟的成员，她在首相周报，时尚芭莎和美国相机上发表过文章。然后在1949年通过安塞尔·亚当斯的介绍开始从事教学，从 1951 年到 1983 年去世，她一直在纽约新社会研究学院从事摄影和教学工作，与许多著名的学生一起，，其中最著名的是黛安·阿勃丝。她的作品已在众多展览中展出，并仍被永久收藏，包括加拿大国家美术馆和J·保罗·盖蒂博物馆。

  纽约学派摄影师大卫维斯塔尔拍捕捉诗意、大气的城市场景。维斯塔在各种天气、白天和黑夜拍摄，而且经常从不同寻常的角度拍摄，他职业生涯的大部分时间都集中在纽约市。他的照片生动地揭示了这座城市的许多纹理，从街道上的阳光和阴影，到防火梯的有节奏的角度，再到被建筑硬边框住的人的身体。

  维斯塔尔于 1924 年 3 月 21 日出生于加利福尼亚州的门洛帕克。他曾在芝加哥艺术学院学习绘画，但在 1940 年代后期搬到纽约后开始摄影，他的大部分街头摄影和城市景观都是在那里拍摄的。从五十年代中期开始，维斯塔尔展出了他的摄影作品，并参加了纽约现代艺术博物馆的八次展览，他的作品被收录在纽约大都会艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆和芝加哥艺术学院。他是 1966 年和 1973 年约翰·西蒙·古根海姆奖学金的获得者。作为终身教育家，他曾在帕森斯设计学院、视觉艺术学院和普拉特学院任教，还在全国各地举办过多次讲座和讲习班。作为一个经常在媒体上撰稿的作家，他的专栏“维斯塔尔在逃”，是《摄影技术》杂志的一个固定专题，他的书包括《黑白放大的艺术》（1984年）和《摄影的手艺》（1975年）。维斯塔尔于2013年12月14日在康涅狄格州伯利恒的家中去世。

  （出生于奥匈帝国加利西亚兹沃茨夫（今乌克兰佐洛奇夫），1899–1968年）

  阿舍尔（亚瑟）费利格（1899年6月12日至1968年12月26日），笔名韦吉（Weegee），是一名摄影师和摄影记者，以其在纽约市的黑白街头摄影作品而闻名。韦吉在1930年代和1940年代在曼哈顿下东区担任新闻摄影师，并通过追踪纽约市的紧急服务并记录其活动来发展他的标志性风格。他的大部分作品描绘了城市生活，犯罪，伤害和死亡的真实场景。韦吉出版了摄影书籍，还曾在电影院工作，最初创作了自己的短片，后来与杰克·多诺霍和斯坦利·库布里克等电影导演合作。

  当被问及他的摄影技术时，韦吉被虚假地归功于回答“f/8 并在那里”。不管他是不是真的说过，这句话在摄影界已经广为流传，以至于成为刻板印象。

  罗伯特·弗兰克（Robert Frank，1924 年 11 月 9 日出生）是瑞士裔美国摄影师和纪录片导演。他最著名的作品是 1958 年出版的名为《美国人》的书，弗兰克以其对美国社会的新鲜而细致入微的局外人视角赢得了与现代托克维尔的比较。评论家肖恩·奥哈根 (Sean OHagan) 于 2014 年在《卫报》(The Guardian) 撰文称，《美国人》“改变了摄影的本质，改变了摄影能表达的内容和表达方式。[……]它可能仍然是 20 世纪最具影响力的摄影书籍世纪。” 弗兰克后来扩展到电影和视频领域，并尝试处理照片和蒙太奇照片。

  黛安·阿勃丝 (Diane Arbus) 是一位美国摄影师和作家，以拍摄边缘化人群（侏儒、巨人、变性人、裸体主义者、马戏团表演者）以及其他被普通大众认为丑陋或超现实的正常人而闻名。

  黛安·阿勃丝(1923年3月14日- 1971年7月26日)是一位美国摄影师，以拍摄边缘化人群的照片而闻名——侏儒、巨人、变性人、裸体主义者、马戏团演员以及其他被普通民众视为丑陋或超现实的人。她的作品被形容为充斥着公然煽情为特征的摆拍形式手法。

  1972年，在她自杀一年后(有一种流行的刻板印象说她是摄影师中的西尔维娅·普拉斯)，阿勃丝成为第一个在威尼斯双年展展出照片的美国摄影师。1972-1979年，数百万人观看了她的巡回展览。展览附带的书籍《黛安·阿勃丝:光圈专论》由杜恩·阿勃丝和马文·伊斯瑞尔编辑，1972年首次出版，到2006年仍在印刷，成为有史以来最畅销的摄影专论。2003年至2006年，阿勃丝和她的作品成为另一个大型巡回展览“黛安·阿勃丝的启示”的主题。2006年，由妮可·基德曼饰演阿勃丝的电影《皮草》虚构了她的生活故事。

  理查德•阿维登（1923-2004）出生并居住在纽约市。他从小就对摄影产生兴趣，十二岁时加入了希伯来青年协会 (YMHA) 摄影俱乐部。他就读于布朗克斯的德威特克林顿高中，在那里他与詹姆斯鲍德温共同编辑了学校的文学杂志《喜鹊》（The Magpie）。1941 年，他被任命为纽约市中学诗人桂冠。

  阿维登于 1942 年在第二次世界大战期间加入武装部队，在美国商船队担任二等摄影师副官。正如他所描述的那样，“我的工作是拍摄身份照片。在我想到自己要成为一名摄影师之前，我一定拍了十万张脸。”

  服役两年后，他离开商船队成为一名专业摄影师，最初创作时尚图像，并在新社会研究学院设计实验室跟随艺术总监阿列克谢·布罗多维奇学习。

  22 岁时，阿维登开始担任自由摄影师，主要为时尚芭莎工作。最初拒绝该杂志使用工作室，他在街头、夜总会、马戏团、海滩和其他不常见的地方拍摄模特和时装，运用无穷无尽的足智多谋和创造力，这已成为他艺术的标志。在布罗多维奇的指导下，他很快成为时尚芭莎的首席摄影师。

  从他的职业生涯开始，阿维登就为戏剧艺术、生活、造型和时尚芭莎等杂志制作正式肖像。他着迷于摄影暗示个性和唤起拍摄对象生活的能力。他将姿势、态度、发型、服装和配饰记录为图像中重要的、具有启发性的元素。他对摄影的二维本质充满信心，他通过你自己的风格和叙事目的遵循这些规则。正如他挖苦说的那样，“我的照片不会深入表面。我对表面很有信心。一个好的是充满线索的。”

  在担任 “时尚芭莎”1965 年 4 月号客座编辑后，阿维登在因与有色人种模特合作而遭到猛烈批评后退出了该杂志。他加入了 “时尚”，并在那里工作了 20 多年。1992 年，阿维登成为《纽约客》的第一位专职摄影师，他的肖像摄影帮助重新定义了杂志的审美。在此期间，他的时尚摄影几乎只出现在法国杂志《以自我为中心》（Égoïste）上。

  自始至终，阿维登经营着一家成功的商业工作室，并因消除“艺术”和“商业”摄影之间的界限而广受赞誉。他的品牌定义工作以及与卡尔文克莱恩、露华浓、范思哲和其他数十家公司的长期合作促成了美国历史上一些最著名的广告活动。这些活动让阿维登能自由地从事重点项目，在这些项目中他探索了他的文化、政治和个人激情。他以对美国民权运动、越南战争以及他父亲雅各布·伊斯雷尔·阿维登著名摄影系列的广泛描绘而闻名。

  1976 年，他为滚石杂志制作了“家庭”，这是美国二百周年大选时美国权力精英的集体写照。从1979年到1985年，阿维登的第一次博物馆回顾展于 1962 年在史密森尼学会举行。随后举办了许多大型博物馆展览，包括在大都会艺术博物馆（1978 年和 2002 年）、明尼阿波利斯艺术学院（1970 年）、阿蒙卡特美国艺术博物馆（ 1985 年）和惠特尼美国艺术博物馆（1994 年）。

  他的第一本摄影集《观察》与杜鲁门·卡波特的一篇文章于 1959 年出版。他一生中继续出版作品集，包括 1964 年的 《与个人无关》（詹姆斯·鲍德温的一篇文章）、《肖像画》1947–1977 年（1978 年，哈罗德·罗森博格的一篇文章）、《自传》（1993 年）、《证据》1944-1994（1994 年，简利文斯顿和亚当·高普尼克的文章）和 《六十年代》（1999 年，杜阿布斯的访谈）。

  2004 年 10 月 1 日，理查德·阿维登在为《纽约客》工作期间脑溢血后在德克萨斯州圣安东尼奥去世。他生前成立了理查德·阿维登基金会。

  “有时候我觉得我所有的照片都只是我自己的照片。我关心的是……人类的困境；

  罗伯特·梅普尔索普1946 年出生于皇后区弗洛拉尔公园。谈到他的童年，他说：“我来自美国郊区。那是一个非常安全的环境，是一个来的好地方，也是一个离开的好地方。”

  1963 年，梅普尔索普就读于布鲁克林附近的普拉特学院，在那里他学习素描、绘画和雕塑。受约瑟夫康奈尔和马塞尔杜尚等艺术家的影响，他还在混合媒体拼贴画中尝试了很多材料，包括从书籍和杂志上剪下的图像。他在 1970 年购买了一台宝丽来相机，并开始制作自己的照片以融入拼贴画中，他说他觉得“这样更诚实”。同年，他和三年前相识的帕蒂·史密斯搬进了切尔西酒店。

  梅普尔索普很快就对自己拍摄宝丽来照片感到满意，而且实际上很少有宝丽来真正出现在他的混合媒体作品中。1973年，纽约Light Gallery举办了他的第一个画廊个展“宝丽来”。两年后，他买了一台哈苏中画幅相机，开始拍摄他的朋友圈和熟人——艺术家、音乐家、社会名流、明星，以及地下 S & M 的成员。他还从事商业项目，为帕蒂史密斯和电视节目创作专辑封面艺术，并为《访谈杂志》创作一系列肖像和派对图片 。

  70 年代后期，梅普尔索普对记录纽约 S & M 场景越来越感兴趣。由此产生的照片因其内容而令人震惊，并且因其技术和形式的掌握而引人注目。梅普尔索普在 1988 年底告诉“艺术新闻”，“我不喜欢‘令人震惊’这个词。” 我在寻找意想不到的东西。我在寻找我以前从未见过的东西……我有资格拍那些照片。我觉得有义务去做。” 与此同时，他的事业继续蒸蒸日上。1977年，他参加了西德卡塞尔的第六届卡塞尔文献展，1978年，纽约市的罗伯特·米勒画廊成为他的独家经销商。

  梅普尔索普于 1980 年结识了第一位世界女子健美冠军丽莎·里昂。在接下来的几年里，他们合作完成了一系列肖像和人物研究、一部电影以及《 女士，丽莎·里昂》一书。在整个 80 年代，梅普尔索普创作了一系列同时挑战和坚持古典审美标准的图像：男性和女性裸体的程式化构图、精致的花卉静物以及艺术家和名人的工作室肖像，仅举几个他喜欢的类型。他介绍并改进了不同的技术和格式，包括彩色 20 x 24 宝丽来照片、凹版印刷、纸和亚麻布上的铂金印刷、Cibachrome 和染料转移彩色印刷。1986 年，他为露辛达柴尔兹的舞蹈表演 《倒影中的肖像》设计布景，为阿瑟·兰波的 《地狱的一个季节》创作了凹版系列，并受策展人理查德·马歇尔的委托，为该系列和《 50 位纽约艺术家》一书拍摄纽约艺术家的肖像。

  同年，1986 年，他被诊断出患有艾滋病。尽管生病了，他还是加快了创作速度，拓宽了摄影研究的范围，并接受了越来越具有挑战性的委托。惠特尼美国艺术博物馆于 1988 年举办了他的第一次大型美国博物馆回顾展，那是他 1989 年去世的前一年。

  他庞大、挑衅和强大的作品使他成为二十世纪最重要的艺术家之一。今天，梅普尔索普在北美、南美和欧洲的画廊都有代理，他的作品可以在世界各地的主要博物馆的藏品中找到。除了他的作品的艺术历史和社会意义之外，他的遗产通过罗伯特梅普尔索普基金会的工作得以延续。他于 1988 年成立基金会，以推广摄影、支持展示摄影艺术的博物馆，并资助抗击艾滋病和爱滋病毒相关感染的医学研究。

  “成为一名艺术家的全部意义在于清楚自己。我认为，照片不如一个人过的生活重要。”

  “我认为你的摄影师生活很有趣。对我来说最重要的是我的经历，而不是其他任何东西。我最关心的是它——我关心我经历过的事情。”

  “我正在寻找我以前从未见过的东西。但我对“震惊”这个词感到困惑，因为我对所有的事情都没有真正感到震惊……基本上，我很自私。我为自己拍了 [那些照片]——因为我想拍它们，因为我想看它们。我不是想教育任何人。我有兴趣检查自己的反应。”

  “我对美很着迷。我希望一切都完美，当然事实并非如此。这是一个艰难的地方，因为你永远都不可能满足。”